“Cuando un actor miente se convierte en un mal actor. No es tanto una cuestión moral, sino más bien una cuestión práctica. Hay una pregunta que los alumnos siempre me hacen: “¿Cómo es posible contar mentiras sin que el público se entere?”.
La respuesta es que, simplemente, no es posible. Cuando el mensaje está vacío, el público lo capta inmediatamente. En realidad, no se trata de investigar lo que significa el hecho de contar una mentira desde un punto de vista ético, sino de entender lo que en teatro funciona y lo que no. El actor no está llamado a contar mentiras; su trabajo consiste en contar la verdad solo en parte. Quizá por eso Orson
Welles decía que un actor tiene que llevarse a escena solamente lo que le sirve a su personaje. Todo lo demás lo tiene que dejar en el camerino. Esto es lo que convierte a un actor en un gran actor: la capacidad de escoger aquellas verdades que le son útiles a su personaje, quitando de en medio todas las que no lo son. Las historias son de mentira, el actor no. Es de verdad. El actor es un milagroso intermediario de carne y hueso entre el mundo de la fantasía y el mundo real. Es el canal que permite
coexistir a esos dos mundos. Posiblemente tampoco se trata de una cuestión moral, sino simplemente una cuestión de humanidad. En fin, cuestiones de teatro “.
Alessia
Cursos de teatro: monográficos
LA BASE DEL ACTOR
El curso basa su pedagogía en el intento de volver a las formas teatrales primitivas, dentro de las que, el estudiante, puede descubrir el sentido del acto comunicativo, valorizando su movimiento y gesto. El estudiante tomará conciencia de su postura y de los infinitos signos que involuntariamente manifiesta, liberándose del esquema repetitivo de su comportamiento habitual, descubriendo su propio cuerpo y su movimiento. Seguirá la trayectoria de la búsqueda de la neutralidad a través de ejercicios individuales sobre la máscara neutra. La técnica del movimiento será una herramienta básica para poder descubrir el placer que está a la base del trabajo y de la belleza del actor. Sera importante por esto, el trabajo individual sobre cada alumno, para descubrir junto a él, su natura y su placer absolutamente únicos y personales. El juego será un instrumento fundamental por esta búsqueda.
PROGRAMA (Curso 2 días/ 14 horas)
El placer del actor -El juego -El Fix point -El silencio-la máscara neutra -El escucha -La libertad en el escenario-Los movimientos voluntarios e involuntarios-Trabajo personalizado sobre cada actor y su natura/improvisaciones
LA TRAGEDIA GRIEGA
La tragedia es tratada como el punto de partida para una interpretación que tiende a estilizar e indagar (a través de los textos y de los grandes movimientos) las dinámicas esenciales que diseñan el espacio y los conflictos del drama griego. El estudio de la tragedia se amplía con ejercicios e improvisaciones individuales y colectivas.
PROGRAMA (16 horas) Presencia en el escenario. -Definición de movimiento. -Los elementos -Introducción a la tragedia griega. -El coro trágico – La figura del héroe
DE LA TRAGEDIA GRIEGA A LOS BUFONES 3
En este monográfico descubriremos la tragedia, la figura del héroe. Él está en relación trascendente con los dioses, en comunicación con la ciudad, apoyado por el coro. Lo que el héroe expresa no es interiorizado, sino expresado e implicado en el espacio. Su signo es solemne, irrepetible y mítico. El bufón esta en conflicto con dios, busca el contacto obsesivo con los hombres, nunca los abandona con las miradas, siempre se encuentra en complicidad con la manada.Como el héroe, el bufón crea pasajes míticos y significativos en el espacio: cuenta gestas épicas. El bufón se convierte en héroe cuando su burla está bien dirigida y la manada coge su fuerza. Con los bufones, el cuerpo único de la manada se rompe en los cuerpos deformes de sus componentes, que, entrelazados, se mueven con un ritmo interrumpido constantemente por las múltiples sorpresas.El héroe es el primero de la escala social de los hombres, el bufón, el último: el mito-el antimito.La sabiduría, el bien y el mal así definidos en la tragedia, están en total oposición con la ambigüedad bufonesca, llena de matices y comentarios. Estas analogías y contrastes nos llevan a ver las dos figuras como contrapuntos de un único diseño escénico. Ellos juegan, entre la acción teatral, el rol narrativo o activo, creando un fuerte impacto lírico -dramático. Sera interesante aplicar estas analogías y esos contrastes en las obras de Shakespeare y en los textos bíblicos. (Ya contienen esas figuras).
PROGRAMA: (Curso 16 h) -Presencia en el escenario. -Definición de movimiento. -Los animales-Introducción a la tragedia griega. -El coro trágico -Figura del héroe. -Reglas geométricas en el escenario. -El bufón medieval -La manada de los bufones -Deformaciones-Los bufones en Shakespeare-Los bufones y la Apocalipsis
EL BUFON MEDIOEVAL
El punto de partida de este curso es el trabajo de búsqueda literaria y pictórica a través de lo grotesco; a través de la pintura de El Bosco, Brueghel y Goya se encuentra la presencia burlesca e inquietante del bufón, habitantes de los pantanos, de los suburbios, de las cortes medievales, de las catedrales góticas. Los bufones son deformes, tienen panza, jorobas enormes. Esas deformaciones son utilizadas como armas de en el espacio y en el ritmo. Denuncia y burla, y es de ahí donde cogen su fuerza. Los bufones se mueven con la manada, en un estrecho nudo, símbolo de su complicidad y solidaridad. En el juego paródico, el bufón o el actor elige el objeto de su burla, escoge el personaje o la situación, la vive por un instante, expresando sus líneas esenciales y peculiares, para llegar en seguida a destruirla por completo, haciéndola explotar y dejando solamente como comentario su sonrisa maliciosa y divertida. El objeto paródico del bufón son los personajes del mundo mundano, religioso o de poder, personajes ambiciosos y fanáticos que, con sus fijaciones y exasperaciones de tópicos, devienen en los objetivos favoritos de parodias burlonas y mordaces. A través de este estilo, se revelará el sentido del juego, que es conducido por una falsa ingenuidad hasta convertirlo rápidamente en una agresiva denuncia. Con la interpretación, se experimentará un juego de veloces y repentinos cambios de miradas, de comportamientos, de pausas irónicas, conducidos por un sorprendente ritmo sincopado.
PROGRAMA: (Curso 2 días)-El bufón medieval-La manada de los bufones ritmo y dinámica:
-Ejercicios colectivos. -Deformaciones-Trabajo sobre los textos. -La parodia. La sátira. -El bufón moderno.
-Descubierta del propio bufón. -Creación de texto bufón.
MONOGRÁFICO SOBRE CREACIÓN DE PERSONAJES (2 días/16 horas)
PROGRAMA-Los elementos-Los animales-Creación personaje/la trasformación del actor. -La humanidad del personaje-la no identificación. -El control del personaje. -Improvisación-El contra-personaje
EL MELODRAMA
El objetivo de este curso es dotar al actor de las bases para poder desarrollar su delicadeza y sutilidad a través de un estilo tan especial y antiguo como es el del “meló”. El actor tomará conciencia de su sensibilidad y entrará en el mundo de los “grandes sentimientos”. Es el mundo de Sarah Bernardt, del Titanic que se hunde, del sueño de partir en América, de Chopin y Degas. El actor de melodrama juega con historias trágicas, historias de miseria y de desesperación; nunca es triste en el escenario, pero sí es feliz de hacer soñar su público con las escenas dramáticas, sufridas y heroicas que ama representar. Es muy sutil el límite entre provocar una risa o una lagrima… Así como lo es el actor que lo consigue.
PROGRAMA: (Curso 2 días/16 horas). -Presencia en el escenario. El Melodrama, sus protagonistas: los buenos, los malos, los ladrones y huérfanos. -Melodrama trágico/Melodrama cómico Realización de secuencias. -Improvisaciones individuales y colectivas Ref. “Los Miserables” (V. Hugo)
MONOGRÁFICO SHAKESPEARE
PROGRAMA: (Curso 2 días/16 horas). -Personajes de Shakespeare-Trabajo sobre el texto. -Creación escenas. -El Macbeth. -El Tito Andronico .-El soneto 66.-Julieta y Romeo
MONOGRAFICO TEATRO DEL ABSURDO
PROGRAMA (curso 2 días)
-Creación de personajes y trabajos de escenas (Ionesco/ Beckett/ Karl Valentin)
Algo más:
-Workshop intensivo para artistas de circo
-Dirección de actores
-Tutorías
-Creación de espectáculos
-Creación de números de circo
Nacida en Sassari, Cerdeña (Italia), comienza sus estudios teatrales a la edad de 17
años. Se diploma en la Escuela Internacional de Teatro de Philippe Gaulier en París;
en la Escuela Internacional de Clown Eric de Bont-Ibiza; en Cerdeña, con Emmanuel
Gallot Lavallée, en el método Lecoq; en Emilia Romaña (Italia), en Comedia del Arte
con Antonio Fava. Desde 1995 ha representado más de 50 espectáculos como actriz,
cantante o directora. Ha participado en numerosos festivales y en programas de TV.
Actualmente es profesora del CAU y titular del Aula de Interpretación de EscénicaArtística de Granada, dedicada al estudio de la tragedia griega y sus consecuencias en
el melodrama y los bufones.
Imparte workshops por toda Europa, principalmente en España en Italia Eslovenia, Portugal y Francia.
Trabaja no solo con actores, pero también con bailarines, músicos y artistas
circenses. Recientemente ha presentado su último espectáculo (como directora y coautora)
“Partitura de la espera” en el Teatro Alhambra de Granada.
Alessia Desogus representó a nuestro país (como cantante y actriz) en el Festival
Internacional de Cabaret de Ciudad de México con su espectáculo Casi en Blanco y
Negro, que recientemente también ha sido programado en el ciclo Pasión por el
Cabaré del Teatro Fernán Gómez de Madrid. Trabaja con éxito en el mundo de la
música colaborando con músicos reconocidos en el ámbito del jazz nacional e
internacional como Arturo Cid y Diego Suarez, o del rock, como Quini Almendros, en espectáculos como Diva Jazz, Travel Italia o Calling America